{"id":797,"date":"2012-05-04T06:47:13","date_gmt":"2012-05-04T05:47:13","guid":{"rendered":"http:\/\/www.emiliosilveravazquez.com\/blog\/?p=797"},"modified":"2013-03-25T06:06:31","modified_gmt":"2013-03-25T05:06:31","slug":"repasando-rumores-del-saber-xvi","status":"publish","type":"post","link":"http:\/\/www.emiliosilveravazquez.com\/blog\/2012\/05\/04\/repasando-rumores-del-saber-xvi\/","title":{"rendered":"Otro rumor del saber del mundo…\u00a1M\u00fasica!"},"content":{"rendered":"

Aproximadamente entre\u00a0 1.580 y 1.589, algunos caballeros empezaron a reunirse de forma regular en casa del conde Giovanni dei Bardi en Florencia.\u00a0 Este grupo, conocido como la camerana estaba compuesto por el c\u00e9lebre flautista Vincenzo Galilei (padre del astr\u00f3nomo Galileo Galilei), Jacobo Peri y Giulio Caccini, tambi\u00e9n m\u00fasicos, a los que se sumaba el Poeta Octavio Rinuccini.<\/p>\n

Durante el curso de sus conversaciones, principalmente dedicadas al teatro cl\u00e1sico, surgi\u00f3 la idea de que las obras cl\u00e1sicas pod\u00edan notarse “de forma declamatoria”. Fue as\u00ed como m\u00e1s adelante nacer\u00eda la opera.\u00a0 En t\u00e9rminos muy amplios, podemos afirmar que en el largo siglo que va de 1.470 a 1.590 aparecen\u00a0 los principales elementos de la m\u00fasica moderna en un proceso an\u00e1logo al que se observa en la pintura.<\/p>\n

Los desarrollos en este campo pueden dividirse en tres grupos:<\/p>\n

En primer lugar, se dieron una serie de avances t\u00e9cnicos, tanto para instrumentos como para voces, que permitieron la evoluci\u00f3n de los tipos de sonido que escuchamos hoy.<\/p>\n

En segundo lugar, se desarrollaron diversos g\u00e9neros musicales, lo que condujo a la forma de la m\u00fasica tal y como la conocemos en la actualidad.<\/p>\n

Y, en tercer lugar, tenemos el surgimiento de los primeros compositores de m\u00fasica moderan, los primeros m\u00fasicos famosos cuyos nombres a\u00fan recordamos.<\/p>\n

Entre los avances t\u00e9cnicos, podemos se\u00f1alar para empezar el principio de “imitaci\u00f3n”, una innovaci\u00f3n de la escuela de m\u00fasica flamenca, cuyos principales representantes fuera Jean Ockeghem (c. 1430-1.495) y Jacob Obrecht (c. 1430-1505). Sin embargo, durante el siglo XV y buena parte del XVI, la m\u00fasica flamenca fue ganando prestigio no s\u00f3lo en Europa septentrional sino tambi\u00e9n en Italia.<\/p>\n

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En la corte papal en Roma, en la Catedral de San Marcos en Venecia, en Florencia y en Mil\u00e1n, los m\u00fasicos flamencos eran los m\u00e1s solicitados.\u00a0 En este contexto, el t\u00e9rmino “imitaci\u00f3n” designa la costumbre de que en una obra polif\u00f3nica las voces no canten juntas sino una despu\u00e9s de otra, cada una repitiendo lo dicho por la anterior.\u00a0 Este recurso ten\u00eda un gran poder expresivo y se ha mantenido vigente hasta el d\u00eda de hoy en todos los g\u00e9neros musicales.<\/p>\n

Por la misma \u00e9poca, se introdujeron las masas corales que reun\u00edan gran cantidad de voces.\u00a0 En part\u00edculas el coro papal adquiri\u00f3 mucha importancia, si bien fue en Venecia donde el flamenco Adrian Willaert (c. 1.480-1.562) introdujo el coro doble, en el que dos cuerpos cocales se yuxta pon\u00edan continuamente uno a otro, algo que ten\u00eda una fuerza dram\u00e1tica a\u00fan mayor.<\/p>\n

Tambi\u00e9n fue en Venecia donde se dieron los primeros pasos hacia la orquestaci\u00f3n, la idea de designar instrumentos espec\u00edficos para cada parte de la composici\u00f3n.\u00a0 Esto se relaciona con el hecho de que fue tambi\u00e9n en esta ciudad donde se inici\u00f3 la impresi\u00f3n de partituras hacia 1.501, con lo que los int\u00e9rpretes pudieron llevar las ideas musicales “no en la cabeza, sino en su equipaje”.<\/p>\n

Venecia produjo dos m\u00fasicos extraordinarios:<\/p>\n

Andrea Gabriela y su sobrino Giovanni.\u00a0 Fueron ellos quienes perfeccionaron el equilibrio de los coros, con grupos de instrumentos de cuerda y de viento, en galer\u00edas corales opuestas que hac\u00edan avanzar y retroceder la melod\u00eda y que ten\u00edan por base dos grandes \u00f3rganos.<\/p>\n

Yehudi Menuhin considera que este momento de la m\u00fasica occidental “marca el aut\u00e9ntico comienzo de la m\u00fasica instrumental independiente” y, en particular, de un elemento que ser\u00eda de vital importancia a lo largo de la era moderna: la disonancia suspendida.<\/p>\n

Esta disonancia, planeada de forma deliberada, llama la atenci\u00f3n sobre s\u00ed misma y exige ser resuelta (al menos hasta Sch\u00f6nberg, en 1.907), lo que subray\u00f3 el car\u00e1cter emocional de la m\u00fasica y propici\u00f3 el desarrollo de la t\u00e9cnica de la modulaci\u00f3n, el libre movimiento de un tono a otro sin el cual hab\u00eda sido imposible el movimiento rom\u00e1ntico en la m\u00fasica.<\/p>\n

Los siglos XV y XVI tambi\u00e9n fueron testigos del aumento del n\u00famero de instrumentos disponibles y, en un sentido rudimentario, de los comienzos de la orquesta.\u00a0 Inicialmente, tuvo una gran importancia la difusi\u00f3n del arco desde Asia, a trav\u00e9s del Islam y Bizancio, donde hacia el siglo X el Rabat y la luna se tocaban con arcos de una o dos cuerdas.<\/p>\n

En Europa, el arco musical, descendiente directo del arco de caza, apareci\u00f3 primero en Espa\u00f1a y Sicilia, pero se difundi\u00f3 con rapidez hacia el norte del continente.\u00a0 Aunque el sonido producido al puntear las cuerdas se desvanec\u00eda con rapidez, se descubri\u00f3 que las notas emitidas por las cuerdas al vibrar pod\u00edan prolongarse mucho tiempo frotando un arco sobre ellas.<\/p>\n

El segundo acontecimiento decisivo para la evoluci\u00f3n de la m\u00fasica occidental fueron las cruzadas de los siglos XII y XIII.\u00a0 Los nuevos instrumentos encontrados en Oriente Pr\u00f3ximo se difundieron velozmente, en particular el antecesor del viol\u00edn, que aparece por primera vez en ilustraciones bizantinas del siglo XI, cuando ten\u00eda muchas formas diferentes (ovalada, el\u00edptica, rectangular) y ya contaba con una parte estrecha para permitir que los movimientos del arco fueran m\u00e1s flexibles.<\/p>\n

Otros instrumentos eran el rebec y el gittern, precursora de la guitarra, un enorme instrumento hecho a partir de un bloque de madera s\u00f3lida.<\/p>\n

Los instrumentos de cuerda provistos de teclado aparecen inicialmente en la primera mitad del siglo XV, quiz\u00e1 como desarrollo de un instrumento misterioso, el checker, del que no se conserva ning\u00fan ejemplar, por lo que solo lo conocemos a trav\u00e9s de ilustraciones.<\/p>\n

Tambi\u00e9n exist\u00eda un primitivo clavicordio, denominado monocordio (quiz\u00e1 inventado por Pit\u00e1goras), y un antiguo clavic\u00e9mbalo, un instrumento alargado, a partir del cual evolucionaron la espineta y el virginal, ambos de tama\u00f1o m\u00e1s peque\u00f1o.<\/p>\n

Para el siglo XVI el la\u00fad, la guitarra, la viola y el viol\u00edn, se hab\u00edan hecho muy populares a medida que se difund\u00eda el gusto por la m\u00fasica crom\u00e1tica.\u00a0 Carlos IX, rey de Francia entre 1.560 y 1.574, orden\u00f3 la construcci\u00f3n de treinta y ocho instrumentos a Andrea Amati, el famoso fabricante de Cremona, y especific\u00f3 que doce deb\u00edan ser violines grandes, doce violines peque\u00f1os, seis violas y ocho bajos.<\/p>\n

Entre los instrumentos de viento, el \u00f3rgano se hab\u00eda utilizado desde la \u00e9poca de los romanos, si bien desde el siglo X en adelante hab\u00eda pasado a ser instrumento exclusivo de la Iglesia.<\/p>\n

En este campo la importaci\u00f3n m\u00e1s significativa de Oriente fue la bombarda, que deriva de la surna persa, un instrumento de doble leng\u00fceta con agujeros para los dedos y pabell\u00f3n amplio.\u00a0 El oboe moderno probablemente fue inventado a mediados del siglo XVII por un miembro de la familia Hotteterre, y se introdujo en la corte francesa.\u00a0 Se consideraba un complemento de los violes, aunque tambi\u00e9n contribu\u00eda al continuo.<\/p>\n

Entre las diversas formas musicales surgidas desde el siglo XI podemos destacar el madrigal, la sonata, las formas corales, el concierto, el oratorio y la \u00f3pera.<\/p>\n

Con la maduraci\u00f3n del madrigal, el liderazgo musical pas\u00f3 de los flamencos a los italianos, y en particular a Roma y Venecia, si bien no se debe olvidar la contribuci\u00f3n de los franceses al crear la chanson, conocida en otros lugares como canzon francese.\u00a0 La chanson era una forma despreocupada y alegre, que con frecuencia propon\u00eda “cancioncillas de amor” sentimentales y nost\u00e1lgicas, seg\u00fan las palabras de Alfred Einstein<\/a>, en las que la voz pretend\u00eda imitar el canto de las aves, y\u00a0 partir de ella surgir\u00eda finalmente la sonata.<\/p>\n

Los principales exponentes del madrigal y de la chanson\/sonata fueron Giovanni Pierluigi da Palestrina (1.525-1.594) y Orlando di Lasso (1.532-1.594).\u00a0 En Roma, Palestrina fue\u00a0 maestro di capella de la iglesia de San Pedro desde 1.571. Compuso noventa y cuatro misas y ciento cuarenta madrigales.\u00a0 Fundamentalmente fue un compositor religioso.<\/p>\n

Lasso, por su parte, fue un maestro del madrigal y del motete, que celebr\u00f3 en sus obras el amor en esta vida y esta tierra.\u00a0 La b\u00fasqueda del estilo y la excelencia instrumental condujo en su momento a la aparici\u00f3n del virtuoso, particularmente en los teclados y las maderas.\u00a0 En ello tambi\u00e9n observamos un proceso similar al que tuvo lugar en la pintura: el surgimiento del m\u00fasico como artista respetado por derecho propio.<\/p>\n

Al evolucionar, la canzon francese se dividi\u00f3 en dos tipos: la sonata para instrumentos de viento y la canzona para los de cuerda.\u00a0 Mientras la primera dar\u00eda lugar al concierto (y m\u00e1s tarde a la sinfon\u00eda), la segunda evolucionar\u00eda en la sonata de c\u00e1mara.<\/p>\n

Los humanistas que en Florencia dieron origen a la \u00f3pera estaban convencidos de que la primera funci\u00f3n de la m\u00fasica era intensificar el impacto emocional de la palabra hablada.\u00a0 Inicialmente, el nuevo discurso musical se denomin\u00f3 recitativo: el texto se recitaba o declamaba sobre un fondo musical compuesto principalmente por una serie de acordes con disonancias ocasionales con que producir efectos dram\u00e1ticos.\u00a0 No obstante, desde el principio existi\u00f3 una estructura arm\u00f3nica, lo que se denomina m\u00fasica “vertical” en oposici\u00f3n a la meramente “horizontal”.<\/p>\n

El primer gran compositor de \u00f3peras fue Claudio Monteverde (1.567-1.643).\u00a0 Su Orfeo, escrito para violas y violines y estrenado en Mantua en 1.607, supuso un significativo avance respecto de las \u00f3peras presentadas antes en Florencia.\u00a0 Aunque Monteverde pose\u00eda un don original para la armon\u00eda que le permiti\u00f3 introducir tambi\u00e9n algunas disonancias andaces, la principal caracter\u00edstica de su m\u00fasica es s gran calidad expresiva, como por ejemplo, Ariadna, o su famoso Lamento de Ariadna, la primera aria o per\u00edstica que se convirti\u00f3 en canci\u00f3n popular y fue “tatareada y silbada por toda Italia”<\/p>\n

De aquel fen\u00f3meno musical surgieron grandes teatros de \u00f3pera en toda Europa, si bien hasta 1.637 estos fueron lugares privados, dominio exclusivo de la nobleza.\u00a0 S\u00f3lo despu\u00e9s de esa fecha encontramos, de nuevo en Venecia, asistentes a la \u00f3pera que pagan por su asistencia a las salas.\u00a0 En el siglo XVII la ciudad contaba con diecis\u00e9is teatros de \u00f3pera, cuatro de los cuales abr\u00edan todas las noches.<\/p>\n

Dejar\u00e9 aqu\u00ed esta peque\u00f1a reserva que se ocupa de la m\u00fasica en varias vertientes y que ha sido una variante para exponer otra parte (otro rumor), del saber que forma el conocimiento de la Humanidad.<\/p>\n

emilio silvera<\/p>\n

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